画国画需要注意什么(学国画要注意什么好)

2023-03-13 12:00:02 技术常识4 终生受用

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国画概述及常用的基本技法,下面一起来看看本站小编A书画联盟给大家精心整理的答案，希望对您有帮助

学国画要注意什么好1

国画概述及常用的基本技法

(一）国画的概念

国画是中国传统绘画，具有悠久的历史和独特的风格。从表现内容上分为山水画、花鸟画和人物画三大类从表现形式上分为工笔画和写意画两种。本文入编的是造型概括、用笔奔放的写意画法。即用毛笔蘸上水、墨和颜料，在生宣纸上用国画特有的写意审美观和表现技法来作画，也叫彩墨画。

（二）国画的工具和材料

1.毛笔:一支勾线笔、两支大白云笔、一支斗笔或长锋笔。狼毫、紫毫较细小，可在勾线时使用;大白云笔在写意画中用处最多，一般为兼毫，笔头内部为狼毫、紫毫，外面为羊毫;斗笔或长锋笔在画大面积的墨色时使用，如叶子、远山、人物衣服等。（图6-1)

2.墨：为书画专用墨汁，一般使用“一得阁墨汁”即可。（图6-2)

3.纸张国画使用的是宣纸，有生宣、熟宣之分,辨别的办法很简单，即用笔蘸水温纸，湿透的为生宣纸，不透的为熟宣纸。书法和写意国画(水墨画）要用生宣纸；工笔画和小楷书法用熟宣纸。（图6-3）

4.颜料：国画专用“中国画颜料”。写意国画以水墨为主，设色为辅，颜料品种较少，每盒一般为12支装。其中，曙红、胭脂、花青、酞菁蓝、柠檬黄为植物颜料，较透明；石绿、石青、赭石、锌白为矿物颜料，不透明。（图6—4）

5.笔洗:盛清水用的容器。可用一大一小两个笔洗，大的洗笔用，小的调色用。（图6-5）

6.调色碟：用五只纯白的瓷碟，其中三只用来调浓、中、淡的墨色，两只用来调颜色，冷暖色各一只。也可用两三只大的白瓷盘代替。（图6-6）

7.镇纸:作画时，为不使宣纸错动，要用镇纸压在宣纸上。镇纸一般为条状，也叫压条。有铜、石和木等多种材质。以铜质为最好。（图6-7）

8.画毡：由于用生宣纸作画，水墨、颜料容易渗透，使宣纸贴在桌子上。画毡衬在宣纸下面，可起隔离作用。（图6-8）

9.吸水纸：在作书画的过程中，往往要控制画面或毛笔中的水分，可用生宣纸或卫生纸裁成方形小块，去吸或拓。

(三）国画常用的基本技法

1.笔法：（1)中锋，即笔尖在笔画中间运行，能画出具有立体感的线条（图6-9)。（2)侧锋，即笔尖在笔画一侧运行，能表现出宽大的笔触（图6-10)。（3)顺锋，运笔方向从左向右，自上而下即为顺锋（图6-11)。（4)逆锋，运笔方向从右向左，自下而上即为逆锋（图6-12)。（5)散锋，即把笔毛打散，用于毛发等特殊效果的表现（图6-13)。（6)拖锋，即笔杆卧倒，朝运笔方向，拖着笔锋运笔（图6-14)。（7)捻锋，即运笔的同时转动笔管，使线条多变化（图6-15)。⑻犁破土，即如犁耕地。笔锋朝运笔方向，笔杆朝运笔相反方向倾斜，表现滞涩、生拙的效果（图6-16）。

2.墨法：（1)蘸墨法，即一支笔蘸两种以上的墨色，侧锋运笔，可表现出墨色的浓淡变化及韵味（图6-17)。（2)破墨法：即浓淡墨之间互破。如先着淡墨，在其未干时，压上浓墨，浓淡墨之间在水分的媒介作用下，相互渗透，叫“以浓破淡”，反之也可以“以淡破浓”。用于表现丰富的墨色层次变化（图6-18)。（3)积墨法，即画山石的用墨方法，墨色分层叠加，少则二三层，多则五六层不等。可先淡后浓，也可先浓后淡,可在上一遍黑色干透后再画下一遍，也可趁温连续画。可表现丰富的墨色层次和山石的质感（图6-19)。（4)泼墨法，即大面积使用水墨作画，像泼在宣纸上一样，如荷叶、远山或人物衣服等（图6-20)。

3.色法：（1)蘸色法,即一支笔蘸两种以上的颜料，能表现丰富的色彩变化。大笔触叫点染法（图6-21)，小笔触叫点厾法（图6-22)。（2)平涂法，即笔中只蘸一种颜料，一般多为填色（图6-23)。⑶深浅法，即用笔先蘸浅色，笔尖再蘸深色，一笔落纸，颜色有层次变化，如同“蘸墨法”（图6-24)。（4)色破墨，即先落墨，在墨底未干时，用颜色叠压。使墨与色相融，相得益彰（图6-25)。(5)泼彩法，即大面积使用颜色，表现酣畅淋漓的效果。也可与泼墨同时使用（图6-26)。

4.水法：写意国画除了讲究用笔、用墨、用色以外，还有一个重要技法就是用水方法。（1)水破墨，即先落墨，趁温用水破开即水破墨，也可以先落水，后用墨去破，即“墨破水”（图6-27)。（2)注水法，即先落墨、落色，用笔向墨、色里注入水，使水与墨色相互交融，表现浑然效果。（3)洒水法，即先在生宣纸上洒上水滴，再重叠上墨或色，表现特殊肌理效果。

5.特技：用白矾、牛奶、洗衣粉、水等制作的特殊效果。（图6-28）

(四）写意花鸟画

花鸟画在国画中占有重要位置，它题材广泛，寓意丰富，雅俗共赏，深受人们的喜爱。从技法上分为工笔和写意两种，这里介绍的是写意花鸟画。

1.鸟的画法

鸟有大鸟和小鸟之分，画法也有所不同。

（1）小鸟，先画头，再添画身体。（图6-29至图6-32)

（2）大鸟，从身体画起，再添画头部及爪子。(图6-33至图6-37)

2.花的画法

（1）花头的画法：

a.小花如梅花（图6-38至图6-42)、牵牛花（图6-43)、石榴花（图6-44)和桃花（图6-45)等。

b.大花如牡丹、月季、芙蓉等。这里以牡丹为例。(图6—46至图6-50）

（2）叶子的画法

水墨画法，即用水墨作画（图6-51);色彩画法，即用颜色表现（图6-52);彩墨画法，即笔中同时蘸上颜色和墨去画（图6-53)。

3.枝干画法

老干用侧锋画，小枝用中锋画，每一笔中间运笔速度要快。（图6-54)

4.藤蔓画法

表现藤蔓，笔墨变化很多，运笔速度要快。（图6-55)

5.石头的画法

（1）勾。用勾线笔或大白云笔勾出石头轮廓，中、侧锋，顺、逆锋交替使用，墨色浓淡、干湿互用。（图6-56)

（2）皴、擦。皴是在山石轮廓线里用各种笔法，表现山石的肌理和质感。擦是用侧锋阔笔蘸较干的墨，将琐碎的皴的笔触统一起来。（图6-57)

（3）点、染。点是在皴擦的基础上用多种“墨点”点在山石上，表现山石植被(树和草）。染是在勾皴檫的基础上，染出山石的明暗，表现立体感。（图6—58)

（4）着色。浅绛山石一般是暗部染花青，亮部染赭石。（图6-59)

6.果实的画法

果实也是花鸟画中常见的题材。如葡萄、荔枝、葫芦等。（1)两笔画出完整果身，留出髙光点（图6-60至图6-62)。⑵重叠遮挡住的果身侧锋一笔画出（图6-63)。（3)可一笔蘸两种色画（图6-64)。（4)也可先蘸色，笔尖再蘸清水画（图6-65、图6-66)。

7.紫藤作画步骤

（1）勾叶筋，用大白云笔蘸色（藤黄+墨），中锋勾出芭蕉叶的主叶脉。（图6-67)

（2）画叶片，用大斗笔或长锋笔蘸色（藤黄+墨），笔尖再蘸墨，侧锋画叶片。最后笔尖可蘸水画。（图6-68)

（3），用大白云笔先蘸淡紫（曙红+花青+白），笔尖再蘸深紫（曙红+花青）。用点厾法画花瓣、花蕾。用花青点花蕊，再用藤黄+白点花蕊。花青点花托。大白云笔先蘸（藤黄+墨），笔尖蘸赭石，用点染法画紫藤叶片。用勾线笔蘸墨勾芭蕉和紫藤的叶筋。（图6-69、图6-70)

（4）画紫藤枝干，画双鸟（图6-71）

a.用大白云笔蘸墨，中锋勾出枝干，近处用浓墨，远处用淡墨。

b.画双鸟，先用大白云笔蘸上浓墨画鸟的头部、背部、翅羽和尾羽，后用浓石绿以色破墨，朱砂染脖子、画双爪。

c.整理画面。用墨绿（花青+藤黄）在紫藤花底部添老叶。最后落款。

8.写意花鸟画学习方法

（1）基本功训练。学习写意花鸟画虽没有人物、山水画那样对造型基本功要求那么高，但也应有最起码的线描画基础。如简笔画、卡通画、插图、中国画的白描、速写等。当然，有毛笔书法基础更好，这都属于基础基本功。

临摹范画，通过对前人作品的临摹学习，掌握造型技法，如笔法、墨法、色法、水法及特技等，这叫专业基本功。即：使用中国特有的毛笔、宣纸、墨色，用中国画的审美观，通过独特的造型方法、笔墨技巧，表现出形神兼备的绘画作品。

（2）绘画步骤。无论是花鸟、鱼虫、禽、兽，还是石头、草木的单项学习或是整幅作品的学习，都有一个作画的步骤，要大胆落笔，细心调整。一般是先大后小，先主后次，先前面再后面等。先画花草、山石，后补鸟、鱼虫、禽、兽等。

（3）构图创意。这是较高层次的学习阶段，不仅要研究怎么画，还要研究画什么，以什么样的构图方式来表现。写意花鸟画选材广泛，寓意深刻，构图方式多变，不同画家的作品，风格迥异，精彩纷呈。

（4）由共性到个性。初学国画，应先从规范的专业教材学起，有了基本功之后，再去学风格独特的各种画法。

（5）继承与创新。学习前人的画是“承”，继承的目的有两个，一是“传”，即当老师，将国画传授给学生；二是“创新”，即创作，通过临摹掌握画理画法，再通过写生捜集素材之后，进行创作。创出独具风格的新面貌，就更有价值了，在画坛就有一席之地。所以继承与创新是学习国画的必经之路。

临摹一写生一创作是走向学画成功的“三部曲”。

（6）综合素养。专业上大量读画，包括印刷品，尤其是国画原作。开阔视野，多读美学和国画理论书籍，涉猎诗文、篆刻、书法等姊妹艺术，丰富生活阅历等。选材、立意也是反映国画创作格调、境界髙低的重要标准。

国画学习，技法、技巧难度大，题材广泛，是一种长期艰辛的艺术实践，画多了才能够熟练掌握。学习者要养成平时善于观察生活的习惯，勤动手、脑，长期坚持，必有所成。

南瓜的画法步骤

葫芦的画法步骤

(五）卡通国画

1.卡通国画的概念

卡通国画，是融合卡通画和国画的一种绘画形式，即用中国传统绘画的写意画法来表现卡通的造型，给人一种耳目一新的感觉。

卡通国画由于其造型生动活泼、用色鲜艳，比较受广大少年儿童的喜爱。它运用国画大写意的表现方法，寥寥数笔，就能生动再现卡通形象。大大地减少了绘画造型的难度，便于更多的初学者掌握。

本节卡通国画的选材，考虑到幼师学生、幼儿园小朋友的实际情况，以表现动物为主。（图6-72）

2.卡通国画的画法

（1）画大形。（图6_73)

（2）添加细节。（图6-74)

（3）着色。（图6—75)

（4）题款、钤印。（图6-76)

素材来自《绘画》（韩鸿照著），版权归原作者所有，如有侵权，请联系删除！

学国画要注意什么好2

好多人学习画画，埋头苦练却很难看到自己的进步，一度怀疑自己是不是没有绘画天赋，甚至产生了放弃的念头。其实，很多时候不是你没有天赋，而是犯了错误却不自知。

今天给大家分享“绘画初学者常犯的错误”。来看一下绘画初学者常犯的错误有哪些。看看自己犯了几条？

一、“我每天练XX张，以后一定能成为大触

我不只一次的听过各大培训画室那个恐怖的作业量，还有很多学生对于练习量的盲目崇拜。课余时间一天30张速写之类的。诚然为了应考这些训练手感的做法也无可厚非，基础练习也有它的必要性。但是，盲目增加练习量没有任何作用！这样高强度的训练很容易让人放弃思考演变成一种机械性的重复，这无疑是一种非常低效且危险的训练方式。一个不好能把你给练废了

▲日本画师おむたつomutatsu作品

二、“可以开始深入

flag简直立得飞起。接下来我们来说说急于深入这个……有点老生常谈的问题。高手厉害的地方在于其高度的概括能力，而不是“磨”。绘画并不是把皮肤材质磨平了笔触磨没了才叫完成度高，与其在细节上摇摆不定，一笔搞定的事非得添个几笔。还不如把时间留在前期的构图草稿上。把大方向和细节部分丰富了个七七八八再进行深入，可以帮你省掉大部分细碎的笔触，心情也会变好不是？郑板桥“胸有成竹”指的便是这个。

▲日本画师加川壱互作品

三、“怎么草图阶段反倒还蛮好看的

你不是高手，尽量不要破坏自己的草稿。细化进去就出不来是个覆盖性很广的问题，初期大感觉不错成品却是一坨翔这事，我相信大部分人都经历过。道理都懂可是总会却不自觉的陷进去。这里提供个改善方法，把一张画的每个阶段记录下来，板绘截图，手绘拍照。画完后拿出来仔细观察思考，看看是哪个环节出了问题，下回好尽量避免。反复如此你会发现自己的错误会越来越少。

▲日本画师加川壱互作品

四、我画不下去了！

一幅画在理论上是可以无限细化下去的，当然深入程度的多少取决于你的基本功。何不在闲暇时候做一次极限测试。在尽量保持不磨的情况下把自己一幅画尽力细化下去，一直画到你想吐为止。相信我，尽管在测试过程艰难无比，但在最终弃笔的一瞬间，你会收获到很多意想不到的东西。毕竟，不逼自己一下，永远不知道自己的极限在哪里……

▲日本画师おむたつomutatsu作品

五“盲目跟风乱投医”（最根本的错误）

无论是什么年龄段或者是出于什么目的接受绘画学习的朋友，我们都面临一个问题就是：如何去选择一个好老师、好画室甚至是好学校、好导师?

很多人会纳闷，这是在探讨学画人的学习经验的问题，我为什么在开篇不去说新手在学画的过程中常犯的错误而是去强调选择老师的重要性呢？因为针对艺术的学习，跟别的学科很显著的区别就是必须要有老师进行入门指导，“师傅领进门，修行靠个人”这句话针对艺术学科的学习再适合不过了。别的学科在教科书辅导资料的引导下自学的可行性较大，但是艺术嘛，还是需要一个师傅进行入门方法指导的，学习艺术的初期对于老师的依赖性很高，这就是为什么艺术教育很多是需要小班一对一进行教学的。艺术的门类很多，每一种学科的个性化和专业性都较强，学生之间的自身素质、性格、兴趣爱好的差异性也很大，那么在选择老师和学校上就应该从自身的实际情况出发，选择因材施教的老师。很多学绘画的同学，上来第一步就走错了：

1、我想当一名艺术家，却选择了偏师范性人才培养的教学体系。

2、我只想当一名美术老师，却选择了偏艺术家的塑造方式。

3、哪个画室生源好就盲目跟风去拜读，哪个老师出名就跟谁学。

▲日本画师えいひ作品

不知道大家有没有这种感觉:在艺术的教学上，并不是这位老师名气越大教得就越好，名气越小教得就越差。很多大佬往往是自己很擅长绘画，但在指导学生方面缺乏经验和良好的表达能力，他只适合自己埋头创作。当然大佬最大的教学优势在于他的眼界与思路的开阔上，当然这些并不适用于我们绘画新手。所以新手在选择老师上最好能够根据自己的学画目的和发展方向去寻找真正适合自己的老师（教学方法科学+良好的语言表达能力+不low的眼界），这样才能从源头上杜绝接受到“南辕北辙”的教学体系，也会让绘画根据我们的性格特质量身定制一个学画方法，更好地发展我们的兴趣。

六、临摹对象的选择和对工具选择上的非正确态度

临摹对象的选择上：选对了“因材施教”的绘画老师后，我们开始欣然接受老师的教育。对于初学者来说应该临摹什么样的作品是很重要的，这决定了学画者未来的眼界和接受的方法，如果是很low的画册或者临摹图书，那么初学者很容易进到一个死胡同里面，花费大量的时间做着无用功，与正确艺术的道路渐行渐远，当然最可悲的是对于绘画新手来说，他们并不知道自己在接受着这样错误的引导方法。在抱着极大的信心和热情投入到绘画中去，过了一段时间开始出现各种问题：例如分不清哪些是好的作品哪些是差的，对于艺术的鉴赏水平一直缺乏眼光，盲目地追求细节不顾及整体，没有养成一个良好的绘画观察方法。。然后开始怀疑自己的天赋能力或者抱怨自己还不够努力，或者天天念励志鸡汤“只要功夫下的深，铁棒也能磨成针”，可是磨铁棒也要磨在刀刃上吧。由于长期都在三四流画家出版的书籍上临摹研读学习，眼界越来越低，越来越迷失学画的方向，最后完全失去了信心。

▲日本画师えいひ作品

工具的选择上: 盲目崇拜自己的老师手中的任何工具，老师在做范画的时候往往不是注意老师改画时的思路和方法，而是仅仅盯着老师手中那支“神圣般的画笔”，改画结束，一堆人蜂拥而至询问这支笔在哪里买的。在绘画中，我不否认选择好工具的重要性，但是我认为更多的初学者在看待工具的选择上缺乏一个正确认知的态度：

1、画技好的人，是可以做到不挑工具的，各种工具在他手里都能很好地发挥作用。

2、绘画的工具选择是很重要的，主要是针对什么画种，要选择相应的配套工具，了解不同的工具用途和方法很重要。

3、工具的选择要适应不同的学画阶段，初学者用一些高级工具既不好把握也没有必要。

4、要学会去探索工具的可行性与特殊用法，不断地去研究发掘新的绘画效果。

▲日本画师きのこ姫作品

七、缺乏对理论方面学习的认知和重视

很多学习绘画的人只是每天埋头于笔与纸之间，专注于技法上的学习和突破，当然技法的学习对于绘画者来说是非常重要的。不过我想强调的是学习绘画不能只局限于技法表面的游戏，更重要的是要去探究技法背后所隐藏的原理，不要总是“治标不治本”：只注重画面细节线条的整齐与流畅，只关注画面的精细程度，只研究人物衣纹线条的表现手法不注重人体结构的学习。在绘画的学习中，只关注技法表象的问题，不去问为什么要这样去画，缺乏绘画理论知识的学习和思考，学习素描不研究透视关系和解剖学，学习色彩不研究色彩之间的关系学，不能做到“格物致知”。

▲日本画师きのこ姫作品

八、画画是不需要动脑子的学科

真的有很多的绘画学习者告诉我，自己画画的时候完全不用大脑，而且认为在画画的时候完全不需要动脑，我第一次听到这种说法的时候，不寒而栗。

1、老师在做范画的时候往往不是注意老师改画时的思路和方法，而是仅仅盯着老师手中那支“神圣般的画笔”，只是盯着那支笔所画出的路径，而不去追问为什么要在这里修改？

2、老师说型不准，为什么我觉得很准？我与老师的观察方法上是否存在差异？

3、画画就是不断重复的过程，日复一日做着一样的动作，不注重观察与思考，不追究各种画面的处理方法。

4、临摹就是埋头画得一模一样，不思考这幅画到底好在哪？从这幅画中应该学习哪些地方？丢开临本是否能够运用这种技法自己创作？不明白临摹的目的，盲目地临摹。

▲日本画师はねこと作品

九、过于纠结作画的顺序和步骤

之前教学生画画的时候，初学者最喜欢问的问题就是：老师，到底是先从上往下画还是从下往上画呢？是从左往右画还是从右往左画呢？如果这个老师教他是从上往下画，而其他老师教他是从下往上画，他就会质疑这个世界的存在，感觉不会再爱了。其实对于真正的大师来说，这样具体的步骤和循环复杂的顺序都是没必要过分去追究的，这些问题根本不是画画的绊脚石。其实从哪里开始画都可以，没有那些硬性的规定，当然这反映了初学者无从下手的迷茫心理，也是可以理解的。我想强调的是大多初学者在纠结作画的先后顺序和步骤方面都过于苛刻不自然，在这方面浪费了大量没必要的时间，因此从一开始就养成了“画画小心翼翼、只局限于抠细节”的死胡同里，很久也改不过来，绘画还是应该“大刀阔斧”的下笔，胆子要大。

▲日本画师はねこと作品

十、错误的观察方法（很多造型问题的根源）

学习绘画的朋友难免都在“造型”上纠结数多年，的确“造型”是绘画的基础嘛。在画素描石膏和人物头像的时候，往往在起稿阶段就难倒了一批批初学者。“眼睛与鼻子的位置不正确，头颈肩之间的关系不舒服，你画的嘴是歪的。。。。”“型还不准呢，不要着急上明暗！”哈哈，是不是很熟悉呢？我相信所有学习过素描的同学都听过这些令人悲伤的话语，简直是令人崩溃，我改了无数遍擦了又擦，怎么型还不准啊？到底哪里不准啊，我觉得很准啊！其实很多绘画造型不准都是观察方法的问题，你所看到理解的位置关系与老师看到的理解的不一样，所以才造成了巨大的造型差距，这种情况很多是观察方法不对，不能用一种对比法的眼光去理解物象的位置关系。一切的绘画来源自对比关系（大与小、粗与细、疏与密、宽与窄、黑与白关系等等）毕竟在绘画的时候，我们不能使用衡量尺进行数据对比来画，我们只能运用双眼来进行，我们的双眼就是一把衡量尺，既要从整体入手又要观察到局部，前后大小关系都需要用一双自动会对比的眼睛来进行观察。

▲泰国画师Callarin作品

11、眼高手低（压轴出场）

这个词在别的领域意思是：比喻不主动动手能力，总是不切合实际。但是在绘画领域，这个词却是个实实在在的褒义词，是学习艺术的朋友毫无置疑需要坚持的一项基本原则。在学习艺术的过程中，“眼高”是至关重要的，它就像是一个大方向盘指引着我们艺术这所舰船前进的方向，从宏观上对我们的艺术理念和整个画面气质进行一个全方位的引导。“眼高”的“高度”决定了我们艺术生涯的前景，是不容被我们所忽视的，好的老师和好的学校往往很注重对这一方面的引导，因此临摹好的作品和多看展览就是绘画学习者永恒的主题。

▲泰国画师Callarin作品

综上所述，（绘画初学者常犯的错误①、②）错误是相互作用互相影响的，没有好的老师引导影响到你“眼高”的程度，没有“眼高”就影响到你的正确观察方法，然后纠结于作画的细节和顺序，循环往复，互相影响，分分钟容易走进“绘画的死胡同”。然而还是初学者的你却只强调：只要功夫下得深，铁棒也能磨成针。。头悬梁锥刺股。。。。

文章来源于公众号：绘画学习